Fight Club

Ayer fue la primera vez que he visto a Fight Club, y después de ver la película, creo que hay mucho que podríamos discutir en clase hoy.  Aunque hay mucho que decir, voy a enfocar en como Fight Club muestra el papel del hombre común en  una revolución. 

Creo que Bob tiene un papel interesante en la trama y que él es un personaje clave en Fight club aunque no es un protagonista.  Bob es verdamente adorable en su vida patética. Al principio, representa alguien sufriendo, alguien quien siente débil y impotente en su vida diaria.  Es un hombre con tetas.  Fight Club y la revolución de Tyler dan un próposito nuevo a Bob.  Por la primera vez, puede olvidar su propio dolor y enfocar en otra causa, Project Mayhem.  También, tiene la oportunidad de perder su identidad y ser suficiente y parte de un grupo con una misión.  

La muerte de Bob es el evento que cambia Tyler y que empieza su realización al final.  Tyler se da cuenta de la humanidad de Bob en su muerte.  Bob cambia de ser parte del ejército de Tyler y regresa a ser Bob, un hombre de buena corazón, sufriendo y débil pero todavía luchando, cuando muere.  Los otros hombres repitan, "his name is Robert Paulson," y creo que en este momento, Tyler empieza a llevarse por el pánico porque se da cuenta de lo que ha pasado.  La revolución de Tyler ha creado hombres que son máquinas, hombres que no hacen preguntas, hombres esclavos a un sistema como Tyler sintió al princípio de la película.  

Como otras películas que hemos visto, Fight Club tiene muchos aspectos circulares.  La revolución de Tyler cambia a ser otro sistema de represión, y al final, Tyler tiene que rebelar contra si mismo. 

Terra em transe

Esta película fue ficticiosa, y trató de una lucha política en un país latino americano (Eldorado) que no existe. Aunque la película fue sobre personajes y un lugar que en realidad no existen, y fue bien disorientada, todavía hizo un comentario sobre la política en general que fue posiblemente más poderoso, porque el público no llegó con sus propias opiniones sobre la situación política en Eldorado.

No estoy segura que entendí perfectamente la trama de la película, pero yo se que el protagonista fue un poeta/journalista (Paulo), quien al princípio apoyó a dos figuras políticas (Diaz- un dictador, y Viera- un populista). No se como él pudo apoyar las dos a la vez y como los dos pudieron ganar poder a la vez, pero creo que este es lo que pasó. En la película, Paulo empezó a ver corrupción en ambos lados. Se dió cuenta de la locura del elite (bien mostrado por la cara sonriendo de Diaz). Creo que Diaz recibió apoyo de una corporación que se llamó explinct. A la vez, hubo una desilusión con Viera cuando descubrimos que fue solamente un pseudopopulista. A veces, parece que Paulo está para los mases y la gente y que quiere que ellos tengan el poder. Otras veces, dice que la masa es mala y insulta a la gente común y ineducada. Siempre cambiaron sus opiniones, pero al final, parece que no apoya a nada o a nadie y está muy deprimido.

La escena que hizo el impacto más grade para mi fue la escena de la protesta política en que la gente llevo letreros sin letras. Fue una protesta para la gente. Dijeron a un hombre- "eres la gente, habla," pero cuando hablaron, fueron forzados a callarse o acusados de ser extremista. Noté que la música en esta escena y en otras tuvo un impacto. Creo que el director usó tambores y vocales con referencia al populismo y sínfonias para representar el elite. A veces los dos tipos de música se traslaparon.

Otra cosa que destacó fue la cantidad de mujeres con que estuvo Paulo por la película. Tuvo una novia principal (Sara) quien también fue involucrada en la política, pero siempre estaba besando a otras. También. Paulo y Sara tuvieron momentos íntimos cuando pareció inapropriado.

La Ciénaga

Esta película mostró la apatía del burgúes en Argentina, pero de una manera diferente. En contraste con mis sentimientos después de ver "Tire Dié," "La Ciénaga" evocó compasión para la familia burgués. La familia pareció atrapada y aburrida. Estuvieron siempre borrachos hasta el punto en que nadie se dió cuenta de la seriedad de la caida de Mecha en la primera escena.

Mecha en particular fue bien desarollada. Cosas como gafas de sol para esconder los ojos y una bebida en la mano defineron a ella. También, me gustó que su llegada casí siempre fue annuncidada por el sonido de hielo en un vaso de vidrio.

Esta familia pareció patética. La humedad, el calor persistente, y sonidos de agua crearon un sentido de estar atrapada en una ciénaga donde nada está moviendo. Todo fue lento o inmóvil en la película: pienso en particular sobre el sonido las sillas de piscina arrastrando sobre la ascera, la piscina sucia en que las hojas cayeron lentemente, Mecha siempre en la cama, y el viaje de Mecha y Tali a Bolivia que nunca pasó. Está viaje de compras no fue tanto para gastar menos dinero sino para crear un escape breve de la vida inmovil de estas mujeres. Necesitaron un escape más que dinero, pero no fueron.

Esta película fue bien hecha, y como otras que hemos visto, pintó un cuadro de la vida diaria de un grupo de gente. El uso de sonidos y metáforas sútiles (como la vaca atrapada en el lodo o la casa siempre más sucia y dañada) fue excelente. También me gustó la repetición de molestías diarias como el sonido del telefono o la falta de hielo. Pero otra vez, tengo preguntas sobre el papel revolucionario de la película, especialmente porque trata de la vida de una clase media-alta.

Tire Dié

La película abre con una vista desde arriba de la ciudad de Santa Fe en Argentina. La voz de un narrador hace una lista de estadísticas sobre la cantidad de varias cosas que hay en la ciudad. La información viene rápidamente y en una manera muy impersonal, pero el nivel alta de consumo destaca durante el discurso. Los numeros que menciona el narrador son grandes.

Después, la escena cambia, y el público escucha a entrevistas con varias personas en un pueblo afuera de la ciudad. Hay un contraste entre la impersonalidad al principio y las entrevistas personales que vienen segundo. Hablan muchas personas, niños, madres, padres, y adolescentes, pero un narrador o una narradora siempre habla encima de las entrevistas pero en primera persona. Estas entrevistas capturan la atención del público y llevan la trama a un nivel personal. El contenido de cada entrevista es bastante similar. Cada persona da una descripción breve de si mismo y de su vida diaria. Muchos mencionan si trabajan o no, si van a la escuela o no, y que hacen con su tiempo. La mayoria de ellos mecionan algo sobre el dinero como cuanto reciben para su trabajo. Siempre es poco. También hay discusión sobre enfermedades que no tienen los recursos para curar. En general, por estas entrevistas con individuales, el público llega a entender que esta gente tiene una vida difícil.

En la tercera parte, vemos la llegada del tren. Mencionan que la gente que están en el tren viajan por placer. Esta gente es la burgesia que hemos mencionado en clase. Sus expresiones son bastante indiferentes mientras las caras de los niños tratando de coger las monedas expresan su desesperación. Sus familias dependen en estas monedas. Para la gente en el tren, dar estas monedas es un pequeño juego o molestia. Continuan a leer or jugar con su chicle o cierran la ventana. La separación física y la diferencia de expresiónes en las caras de los dos grupos fucionan para subrayar la desigualdad social en Argentina.

Vidas secas

La película “Vidas secas” pintó para el público una imagen de las vidas difíciles de obreros ambulantes que trabajaban con el ganado en Brasil en los años 1940’s. Fue muy visual, y evocó sentimientos con una dirección artística y efectiva. El diálogo en la película fue mínimo, pero importante cuando existió. En general, la película fue filmado en una manera muy real, y esta representación hizo la pobreza desesperada de la familia más triste y sentido más fuertemente por el público. Mostró la vida terrible de esta gente usando repetición para subrayar algunos temas.

Dos escenas destacaron para mi en la película porque trataron de los temas y asuntos recurrentes. Primero, la familia y la madre en particular siempre habló de una cama real de cuero y de los zapatos buenos. Estas cosas fueron espcialmente importantes porque según la madre, tener estas cosas significó ser humano y no animal y ser sofisticado y exitoso. La cámara siempre mostró los pies de las familia mientras caminaban para poner la énfasis en los zapatos como está en los ojos de la madre. Pero todavía no parecieron cómodos en los zapatos, y el padre los llevo a mano.

La escena con el hijo hablando a Balela sobre en infierno casi me hizo llorar. La combinación de lo que dijo el hijo y la imagen que mostraron fue excelente. Cuando repitió "infierno" y "lugar horrible" vimos sus entornos: el desierto seco, su casa patética, etc. Cuando dijo "los condenados" vimos su mama por la ventana. La madre también quejó de su vida miserable en la misma escena. Vimos a ella sentada y las llamas en que está cocinando en el rincón y parece que ella está en el infierno. En esta escena, el público se puede ver que la vida diaria de está familia es como un infierno.

Che, el argentino

Esta película fue una obra moderna sobre la vida del revolucionario Ernesto "Che" Guevara. El princípio de la película me hizo pensar en "La hora de los hornos," porque empezó con el redoble de tambores y imágenes de figuras políticas y la lucha revolucionaria. Después, en la segunda escena, Fidel Castro hizo una lista de quejas y estadísticas parecidas a las que fueron presentandas en "La hora de los hornos."

"Che, el argentino" mostró una lucha contra el imperialismo informal pero esta vez en Cuba y por la vida de Che. La película fue como una biografia en vez de un resumen de la historia completa de un movimiento. La historia dió al espectador una vista desde interna del ejército revolucionario. Mostró la perspectiva personal, y así otro lado de la revolución.

Noté un tema que tiene algo que ver con las preguntas que estamos tratando de explorar sobre las cosas que definen una revolución. Habían referencias al papel que un indivíduo puede tener en la revolución, y este tema fue bien apoyado con el estilo narrativo. Durante la película, especialmente en entrevistas con Che, les pregutaron si el se vió como un líder o un símbolo de la revolución. Aunque fue una revolución de "la gente," líderes individuales como Fidel y Che han sido usado como unas representaciones de la lucha.

Finalmente, noté un estilo artístico que usaron los directores para crear un contraste entre entrevistas del Che actual y los eventos de la película. Este contraste sirvió para decir "aqui en color está la lucha revolucionaria real y personal." En negro y blanco mostraon la pubicidad, el gobierno, "el sistema" en general que según esta película, no representa bien la lucha revolucionaria en Cuba.

La hora de los hornos/ Hacia un tercer cine

La hora de los hornos tuvo un propósito claro, y logró en expresar un punto de vista por medios artísticos, y, a veces, completamente obvios.  Fue propaganda principalmente y arte en segundo lugar.  

La película es bastante vieja, y por eso, aparece en negra y blanca con efectos especiales mínimos.  No se si fue la intención del director o si fue una coincidencia, pero creo que la falta de distracciónes ayudó en hacer el mensaje más poderoso.  La primera escena tuvo éxito en establecer el tono de la película y imponer las opiniones fuertes del director en el espectador.  Usó imágenes y frases poderosas y repetitivas para atraer la atención del espectador y evocar emociones fuertes. 

Durante la primera escena, pudo empezar a ver las palabras y las frases claves revolucionarias que se usaron para mover la gente a acción y evocar un sentimiento de furia.  Estas palabras incluyeron "NEOCOLONIALISMO," "VIOLENCIA," "NUESTRA GUERRA," "PAZ," "ENEMIGA," etc.

Estas palabras son palabras de guerra, y van con el propósito de la película.  Este propósito es indentificar un enemigo y su pecado, porque, como dijeron en la película, en una lucha económica sutíl, "la identificación del enemigo cuesta más."  

La película muestra "nosotros" como los pobres sufriendo y "ellos, los enemigos, los opresores," jugando golfo y fumando cigarillos, viviendo la vida fácil. "Hacia un tercer cine" también hace esta división de "nosotros y el otro" pero en términos del arte que hacen los dos grupos. Dice, "existe una cultura y una cultura de ellos, un cine nuestro, y un cine de ellos."  Hay mucho que discutir es este artículo sobre "arte política," pero es otra tema grande.  Pero una cosa que he notado en ambos obras es la división de grupos y la identificación del enemigo.  Las dos obras usan medios artísticos para hacer un punto obviamente político.