Enron: The smartest guys in the room

Como alguien que estudia psicología, esta película me fascinó. Los directores inclyeron algunos clips de un experimento controversial el "Milgram obedience study" que son usados en clases de psicología para mostrar temas en psicología social. He visto el video de este experimento antes, pero la presencia del "Milgram obedience study" en una película sobre Enron me hizo pausar y pensar en el fenómeno de Enron de un ángulo diferente. Es importante que en la película subrayaron muchas veces que nadie pausó para preguntar como serían possible las ganancias de Enron. Crearon en la corporación una cultura de obediencia tan rígida que un escándalo sin precedentes occurió en la companía. Yo diría que en un nivel, nuestro país depende en la misma cultura de obedencia y fe ciega. Lo que hace la obedencia en Enron más terrible es que tantos empleos tuvieron preguntas pero nadie dijo nada. Y también que la gente que trabaja por Enron son algunos de los más inteligentes que hay.

Quiero añadir una cosa más sobre la presencia del "Milgram obedience study" en la película porque creo que es relevante a nuestra clase. El experimento que hizo Milgram no sería permetido hoy en día debajo del sistema de éticos modernos. Pero Milgram hizo su experimento en los EEUU durante el tiempo del "terror rojo" en nuestro país. Algunos han speculado que el temor nacional y los actitudes del público en el momento que hizo Milgram el experimento añadieron al nivel del obediencía que mostraron los participantes. Pero Enron, mostrado como un tipo de obediencia parallelo a lo que encontró Milgram, occurió recientemente. Interestante....

We Will Force You To Be Free

Esta película habló de dos tipos de libertad que son bien diferentes. La diferencia entre libertad positiva y libertad negativa fue introducida por Isaiah Berlin. Según Berlin, la libertad positiva es lo que ha sido la motivación detrás de las revoluciones del pasado. Estas revoluciones dependieron en el apoyo de la masa, y la idea fue que para ser completamente libre, la gente tuvo que ser transformada por líderes que acutaron en el nombre de una causa úlitma. El problema en el pasado fue que este tipo de libertad siempre fracasó porque no hay un absoluto como proponieron los líderes. Casí siempre, los líderes de revoluciones exitosas llegaron a ser una fuerza tiránica que oprimió a la gente.

Al otro lado, dijo Berlin, la libertad negativa es la opción más segura. Libertad negativa es la libertad de vivir y actuar como quieres sin coacción. La meta fue resistir el crecimineto de poder detrás de líderes o el gobierno. La libertad negativa fue la motivación para el mundo oeste en la guerra fría.

La película continuó con una analizicón de como la idea de libertad negativia ha sido applicada en el mundo despúes de la guerra fría. Su punto clave fue que el mundo ha cambiado mucho desde los años 50's y que, en efecto, la libertad negativa ha llegado a ser un absoluto u una amenaza al bienestar de la gente. Los EEUU han usado la libertad negativa para oprimir gente en otros países y su propía población. El resulto es que vivimos en una sociedad polarizada donde los recursos pertenecen a pocos.

La película concluyó diciendo que libertad negativa extrema ha creado una sociedad sin intención, compuesto por humanos robóticos. Hay esperanza, por lo menos, en libertad negativa, porque permite que la gente trate de satisfacer sus potenciales como humanos.

Capitalism: A Love Story

Está película fue muy revolucionaria, y creo que quedó muy bien con el contenido y los temas del curso. Capitalism: A Love Story expusó problemas con el sistema capitalista en el estilo controversial que esperamos con Michael Moore. Quiero discutir algunos de los puntos que fueron los mejores. Sobre todo, creo que hizo el punto que este sistema económica ha credo ellos que tienen todo y ellos que no tienen nada y que no hay gente en el medio nada más. Dijo que el capitalismo es un sistema de dar y tomar, pero principalmente de tomar, y que es permitido hacer casí cualquiera cosa que quieres. Otro punto que fue impresionante es que en este sistema, si ya tienes cosas, es más fácil conseguir más, y rápidamente llegamos al punto en que un tipo tiene cinco veces más que los otros.

En su estilo esperado, Michael Moore abrió los ojos del público a algunos escándalos y realidades terribles de nuestro país. El punto dominante con estos ejemplos fue que las corporaciones están rehaciendo el país para servirles. Nos han manipulados hasta el punto en que encarcelaron a jóvenes innocentes y ganaron dinero a causa de la muerte de empleos fieles. Michael Moore trató de mostrarnos que hemos sido lavados de cerebro. También, creo que su objectivo fue recordarnos del poder de la democracia y el voto que no estamos usando a nuestro favor porque pensamos que un día vamos a tener lo que tienen los más ricos. La película fue, de una manera, un reevaluación del sueño americano y una reafirmación de lo que los ciudadanos organizados pueden lograr. Como dijo la mujer después del éxito de los trabajadores en la companía de ventanas, "To be able to think well no, I can make it different... that's a big deal."

An Inconvenient Truth

An Inconvenient Truth presentó el cambio de clima como un asunto moral y no político. La película usó muchos hechos, ejemplos, y estadísticas, pero también, Al Gore trató de hablar a las emociones universales humanas. Usó el ejemplo del accidente de coche que puso su hijo en una coma para subrayar que el cambio de clima es uno de los problemas más importantes para todo el mundo. Presentó la possibilidad de perder lo más precioso... nuestro mundo. También uso escenas bonitas de la naturaleza acopañadas por sus memorias personales sobre su conexión con la tierra.

Una meta de está película fue evocar en el público un deseo de cambiar, pero primero, la película tuvo que convencernos que el cambio de clima es un problema enorme y no un engaño de los políticos. No hay debate científico. Puso énfasis en la terminación necesaria de la época de dejar las cosas para más tarde. Estamos ahora en un periodo de consecuencias. Por eso, ahora es el momento de actuar.

Me gusta la manera en que concluyó la película, especialmente cuando describió nuestra sistema nevosa collectiva como el de la rana en agua hirviendo. Concluyó diciendo que no debemos ir de desmentido a desesperacíon sina parar para arreglar el problema. Tenemos que cambiar como actuamos, pero para empezar, hay que cambiar nuestra manera de pensar.

Sicko

Sicko fue una película muy impresionante que sacó a la luz unas realidades terribles del sistema de salud en los estados unidos. Expusó la corrupción que hay en las companías de seguros que deben estar protegiendo a sus clientes y su salud. La película mostró como algo tan fundamental a la vida (salud humana) ha sido convertido en otro negocio corrupto.

Creo que Michael Moore fue especialmente poderoso con su mensaje cuando hizo comparaciones entre los estados unidos y otros países. En nuestro paiz, nos hemos acustubrado a un sistema de seguros privatizados, y dificultades en recibir atención médica neccesaria son esperadas para nosotros. En una parte, Michael Moore escogió dos situaciones parecidas en Francia y aquí cuando dos bebés sufrieron de fiebres tan terribles que amenazaron sus vidas. El bebé en Francia recibió ayuda y vivió, pero la madre del bebé estadounidense no pudo encontrar un hopital que le ayudaría, y su bebé murrió. En este momento, me di cuenta de que el sistema que un país puede matar o salvar. Por medio de entrevistas con expertos, Michael Moore surgió que la diferencia entre el país donde viven y el país donde mueren es que en Francia el gobierno teiene miedo de la gente y sus reacciones, mientras en los EEUU el gobierno se porta para que quedemos sin esperanza y demoralizados y tenemos miedo de ellos.

Otra parte poderosa comparó el tratamiento de los voluntarios y héroes americanos de 9/11 en los EEUU y Cuba. Ellos sufren problemas de salud al resulto de su portamiento heróica en un tiempo de crísis, pero su propia país no les ayuda. Moore hace un contraste entre los héroes americanos y los prisioneros en Guantanamo Bay en Cuba. Son ejemplos de los mejores y los peores, pero los prisioneros son los que reciben atencción médica cuando la necesitan. Cuando Michael Moore y sus compañeros no pueden entrar en Guantanamo Bay, van a Cuba y reciben todo lo que necesitan con respecto y dignidad. Aquí, Cuba que puede ser visto desde el punto de vista de los EEUU como enemigo ayuda a los ciudadanos que los EEUU no ayuda. Desde un enemigo, Michael Moore se hace un ejemplo de portamiento bueno.

Finalmente, quiero hablar sobre los comentarios del director al final. Moore dijo algunas cosas que forman la filosofía de revoluciones sociales hoy en día, revoluciones que quieren que todos tengan lo suficiente y no más. Dijo que estamos viviendo en un mundo de "WE not ME," y también que, "al final, estamos en el mismo barco, y hundimos o nadamos juntos." Las revoluciones modernas hoy en día enfocan en lo que necesitamos y lo que compartimos como un mundo entero. Sicko y la revolución del sistema de salud es un ejemplo de este tipo de revolución porque su meta es algo en que todos pueden (y deben) compartir: salud para todos.

The Take

En esta clase, hemos visto varios tipos de películas hechos para inspirar un espíritu revolucionario en el público.  Mientras algunas han mostrado todas las injusticias que han sido cometidos, otras han usado la comedia para atraer atención a un asunto.  The Take fue otro estilo nuevo que mostró un ejemplo de una revolución exitosa.  Funciona como un modelo para otras revoluciones que todavía no han ocurrido. 

Lo que también fue especial en The Take es que la película mostró la necesidad de operar afuera del sistema que existe para lograr en una revolución.  Este tema fue evidente en algunas escenas.  La escena en que la mujer joven y su mamá hablaron durante la noche de elecciones subraya la diferencia entre las dos generaciones.  La madre cree que lo mejor que puede hacer es escoger el menos peor de los políticos, pero antes han exigido "¡Que se vayan todos!"  Su hija quien es parte de otra generación piensa que los sueños no caben en las papeletas y que tienen que crear un sistema nueva.  Ella no vota porque niega completamente la cultura de la política vieja.  Dice que no importa quien gana porque las políticas económicas no van a cambiar debajo de ninguno de los candidatos. La insistencia de la madre y muchos otros en votar otra vez para los hombres corruptos muestra tan difícil que es cambiar una ideología fija.

Cuando los obreros ocupan, resisten y fabrican como dice su lema, ellos también están rompiendo con el sistema de protesta que existe.  Hacen algo más radical, pero algo que resulta en cambios.  Su revolución no es impuesto desde arriba pero nace de una frustración que viene desde abajo.  Los obreros tienen éxito en su movimiento radical y empiezan a pensar afuera del sistema viejo diciendo cosas como, "¡Quizás podemos gobernar todo el país asi!"  

Ya Cuba

Ya Cuba incluyó cuatro cuentos de personajes diferentes sufriendo durante el tiempo de Batista en Cuba. Los cuentos de cuatro vidas diferentes fueron atadas por un poema sobre Cuba en la primera persona donde una mujer repitió, ¨Soy Cuba.¨ Este poema tuvo un espiritú revolucionario que creció más fuerte al lado de más resistencia en los cuentos personales. El poema sirvió para unir las vidas de las cuatro protagonistas.

Subrayó después de la historia de María que Cuba incluye niños y viejos sufriendo en pobreza y no solamente bares, clubs, y prostitutas. También muestra Betty o María en una manera muy personal. Si ella es Cuba, Cuba incluye aspectos de fe, de sacrificio, y de sufrimiento y no solamente de fiesta. Después del cuentro de Pedro, el poema pregunta quien va a hacer algo, quien va a buscar reparación para las lágrimas y la sangre de este hombre y otros como él. El tono revolucionario es un poquito más fuerte. Si Pedro es Cuba, Cuba es alguien que ha trabajado muy duro y ha sido tratado sin dignidad.

Después del cuento de Enrique, el tono revolucionario del poema fue aún más fuerte. Habló de como la gente de Cuba tiene la oportunidad de escoger una sendera de esclavitud o la sendera de la estrella, una resistencia que sería marcado por la sangre pero sería noble. Si Enrique es Cuba, Cuba se está autosacrificando por amor del pais. Cuba es pasionante, organizada, y protege a sus ciudadanos como Enrique protegió a Gloriana del abuso de los marineros. Amor y violencia aparecen unidas en este cuento en la forma de una paloma muerta y la muerte de Enrique al mano del ofício que no pudo matar.

El cuento final de Mariano y su familia es el cuento en que el protagonista toma lo más control y se une directamente con la revolución creciendo en la Sierra Maestra. Si Mariano es Cuba, Cuba ha perdido todo y tiene que irse y incorporarse en el movimiento revolucionario. El poema habla del amor y violencia otra vez después del cuento de Mariano. Habla a sus cubanos diciendo que sus manos han sido acustumbradas a sembrar pero ahora tienen que tomar armas en las manos. Tienen que usar rifles y tirarlos no para matar sino en contra del pasado para proteger su futuro. Ya Cuba fue una película revolucionaria poderosa que provocó sentimientos fuertes y el deseo de tomar armas por el amor.

The Big Lebowski

The Big Lebowski es una comedia que usa un estilo Western pero trata de la vida de un hombre que fuma mucha hierba y trata de siempre hacer lo mínimo. Este hombre, "The Dude/His Dudeness/El Duderino," es el héroe de la película. "The stranger" quien funciona como el narrador empezó la película hablando del Dude diciendo, "A veces hay un hombre, y él es el hombre para su momento y su lugar." Aquí refiere al Dude como un héroe. Comentarios del Stranger terminan la película también, y esta vez dice que para él, es bueno saber que el Dude existe y que está tomando la vida con calma para nosotros.

La comedia funciona en esta película porque es tan natural. La trama es sobre una revolución, pero la causa revolucionaria del Dude es una alfombra en que alguien urinó, una alfoma que "uní perfectamente" su apartamento miserable. Lucha para un reemplazo de la alfombra o algún tipo de compensación con el deseo de regresar a su vida tranquilla después de encontrar una alfombra nueva. Señor Lebowski usó vocabulario revolucionario cuando dijo, "¡Su revolución ha terminado Lebowski! ¡Los vagos siempre perderán!" Como en otras películas sobre la revolución, el protagonista sufre para su causa. En el caso del Dude, sus sacrificios incluyen menos tiempo para relajarse y menos tiempo para su equipo de bolos.

Después de la clase pasada, he estado pensando en como funciona la comedia en una película revolucionaria como The Big Lebowski. Decidimos antes que la diferencia principal entre esta película y Juan Quin Quin fue que Juan Quin Quin trató de una revolución que ya ha pasada mientras The Big Lebowski es sobre una revolución en que el protagonista todavía no ha triunfando. Creo que la comedia funciona para motivarme sobre la revolución del Dude. Possiblemente es porque no sería difícil convencerme que debo tomar la vida con calma como el Dude, pero después de la película, es fácil sentirse como parte del estilo de vida del Dude y querer relajarse en una manera proactiva (aunque es paradójico).

La Aventuras de Juan Quin Quin

La Aventuras de Juan Quin Quin fue una película sobre la herocidad de Juan Quin Quin, pero a la vez, fue una comedia.  La comedia exisitió en una manera física y incluyó los pensamientos internos de Jachero mostrado en letras escritas.  También, en vez de incluir una escena seria que añadería a la trama y el mensaje, el director escribió en letras algo como, "Aquí insertamos escenas de las vidas diarias de familias Latino Americanas."  A veces, la película pareció como una parodia de un Western.  También, la trama saltó de una parte a otra.  Los saltos me confundieron un poquito.

Los actos de Juan Quin Quin incluyeron opposiciones nobles contra el imperialismo y un plan heróico para salvar a Teresa y su padre, pero también pasó mucho tiempo trabajando en el circus y organizando luchas de toro para ganar dinero que ha perdido en una apuesta.  La combinación de actividades en que participó pareció randón. 

Noté algunas referencias que para mi parecieron intencional en la película.  Por ejemplo, en más que una escena, Juan Quin Quin está imitando a Jesús o está portandonse como él.  A veces fue obvio por su disfraz y a veces por sus aciones.  En la escena en que Juan está enterrado debajo de la tiera en el circus, vi parallelos entre Juan Quin Quin y Jesús y también entre Teresa y María Magdalena.  Pero en otra escena, los dos pusieron "Adán y Eva" en un arból.  Habían muchas referencias bíblicas que merecen interpretación. 

Finalmente, creo que fue interesante que aunque la trama saltó de un lugar a otro, Juan Quin Quin tuvo el mismo enemigo.  Su jefe que le oprima y le engaña con respecto a la plantación del café también fue el alcalde tiránico.  Y el jefe mayor de está hombre fue un gringo de mala pinta.  Parece que Juan Quin Quin siempre estaba luchando contra el imperialismo pero de diferentes formas. 

Into the Wild

Into the Wild fue una película sobre la vida de un hombre joven, Chris, después de la universidad.  Chris quiso romperse con la vida moderna urbana que vivió hasta su graduación de Emory University.  Como dijo su hermana quiso ser "emancipated from the world of abstraction, the things that cut him off from the truth of his existence."  Como alguien que prefiere la vida sencilla viviendo afuera, puedo entender de una manera los deseos de Chris.  Como otros como Thoreau, Abbey, etc. han sentido antes, siente que la vida es más real, más tocable, menos complicado y así más profundo cuando uno está viviendo con la naturaleza.  Puedo entender la ideología que inspiró a Chris, pero también creo que llevó su ideales a un nivel extremo.  Possiblemente, llevó sus valores a un nivel extremo a causa de lo que su hermana describe como "his moral code of characteristic immoderiation."  Possiblemente la falta de moderación es una característica necesaria para un revolucionario. 

 

Creo que una sub-trama de la película fue el desarollo de las opiniones de Chris sobre relaciones humanas.  Después de la universidad, tiene muchas problemas con sus padres, pero dice, “ I love not man the less but nature more.”  Luego, vemos su aislamiento voluntario.  Dice a su amigo Ron Franz que él es incorecto si piensa que la felicidad mayor en la vida viene de relaciones humanos.  Parece que Chris está menos y menos optimistico sobre lo bueno que hay en seres humanos.  Causa mucho dolor para los que abandona, especialmente para su hermana quien simpre ha sido su mayor apoyo.  Pero cuando está a punto de morrir en aislamiento, vemos un cambio en la ideologia de Chris.  Escribe en su libro, “Happiness is only real when shared,” el opusto de lo que dijo a Ron Franz antes.  Creo que Into the Wild hace más que recontar una historia interesante.  Muestra por la evolución de Chris la importancia de apoyo social y companía humana para nosotros. 

Memoria del saqueo

Está película empezó y terminó con la escena en las calles durante la crisis en Argentina en 2001. Memoria del saqueo fue hecho por Solanas, el mismo hombre que directó "La hora de los hornos." Para mí, esto sirve para subrayar que la lucha contra el imperialismo continua y no ha sido ganado. Solanas hace una referencia a "La hora de los hornos" en un momento durante la película, y dice que cuando estaba haciendo la primera película, no pudiera haber pensado que la lucha todavía existiría hoy en día.

Esta película sigió una forma similar a "La horna de los hornos," pero al final, fue bien diferente. Quiero enfocar en partes 9 y 10 del "Memoría del saqueo" para hacer algunos comentarios sobre como la revolución que lucha contra el imperialismo y desigualdad ha cambiado. Parte 9 tuvo el título de "Social Genocide" como es el título de la película. El título compartido implica la importancia de esta parte. Aquí, las entrevistas con los doctores en el hospital identificaron la exclusión de los pobres y su sufrimiento innecessario como una enfermedad soico-cultural. Las imágenes de los niños muriendo de hambre fueron muy poderoso y solicitaron el deseao de curar los que sufren en vez de matar "el otro." Esta parte tocó las emociones y mostró la lucha en términos de una enfermedad.

Al final de la película, parte 10 fue titulado "The beginning of the end," y fue muy positiva. Solanas enfocó en lo que el gobierno todavía no ha tomado y corrumpido. Mostró otra vez las calles en Argentina en la crisis de 2001 y llamó la resignación de de la Rúa la primera victoria de los Argentinos contra el imperialismo. El mensaje de esta parte fue que los opressores todavía no han ganado y que tenemos la capacidad de cambiar la historia. Terminó con una invitación a ser parte de la lucha. Al final de la película, quedo con el deseo de saber si de verdad están ganando y como.

Cocalero

Cocalero mostró la campaña exitosa de Evo Morales para la presidencia en Bolivia. Como "79 primaveras" mostró a Ho Chi Mihn como un hombre de la gente, Evo también fue mostrado como un hombre humilde y sencillo. Vimos a Evo en su finca en Chapare donde empezó su vida política. Vemos a él nadando con amigos, hablando con gente en la calle, y haciendo bromas. Es un hombre amable, y llama a todos "compañero" o "jefe," para mostrar la igualdad entre todos que quiere Morales. Menciona que no paga a nadie para su apoyo político, mientras Tuto paga para que personas vengan a su mítin. En entrevistas con ciudadanos de Bolívia, muchos mencionaron que Evo es "nuestro color" o que sería el primer presidente indígeno. Su raza es otra cosa que ata Evo al pueblo.

La película mostró a Evo como el candidate del pueblo. Sus ayundantes en su campaña también pertenecieron al pueblo. Vimos a su asesor de prensas nadando en un río, otra mujer de la campaña tratando de aprender como usar una calculadora, y Leonilda Zurita cocinando en su finca humilde, pidiendo perdón porque no pudo coger la gallina para la sopa. Estas personas vivieron vidas sencillas y duras, pero siempre estaban sonriendo mientras trabajaban en la campaña. Fue obvio que su trabajo fue un placer y que Evo dió esperanza a esta gente.

Mientras miraba a "Cocalero," estaba pensando en la hoja de coca como un símbolo de la revolución socialista y de la campaña de Evo. Representa algo vital a la vida de los Bolivianos que los EEUU a convertido a una droga y a Coca Cola. Ahora, están tratando de castigar a los Bolivianos y han empezado una guerra contra la hoja de coca. Fue los EEUU que cambiaron la coca a algo malo, pero por eso, quieren destruirla. En entrevistas, ciudadanos dijeron que "sin la coca, no tenemos nada." Otra persona dijo que, "Coca dio la luz a MAS," y MAS es la esperanza del pueblo. Al final de sus discuros, Evo siempre dijo "¡Viva la coca!" Esta hoja representa la cultura de Bolivia y la lucha del pueblo para sostenerse.

Fight Club

Ayer fue la primera vez que he visto a Fight Club, y después de ver la película, creo que hay mucho que podríamos discutir en clase hoy.  Aunque hay mucho que decir, voy a enfocar en como Fight Club muestra el papel del hombre común en  una revolución. 

Creo que Bob tiene un papel interesante en la trama y que él es un personaje clave en Fight club aunque no es un protagonista.  Bob es verdamente adorable en su vida patética. Al principio, representa alguien sufriendo, alguien quien siente débil y impotente en su vida diaria.  Es un hombre con tetas.  Fight Club y la revolución de Tyler dan un próposito nuevo a Bob.  Por la primera vez, puede olvidar su propio dolor y enfocar en otra causa, Project Mayhem.  También, tiene la oportunidad de perder su identidad y ser suficiente y parte de un grupo con una misión.  

La muerte de Bob es el evento que cambia Tyler y que empieza su realización al final.  Tyler se da cuenta de la humanidad de Bob en su muerte.  Bob cambia de ser parte del ejército de Tyler y regresa a ser Bob, un hombre de buena corazón, sufriendo y débil pero todavía luchando, cuando muere.  Los otros hombres repitan, "his name is Robert Paulson," y creo que en este momento, Tyler empieza a llevarse por el pánico porque se da cuenta de lo que ha pasado.  La revolución de Tyler ha creado hombres que son máquinas, hombres que no hacen preguntas, hombres esclavos a un sistema como Tyler sintió al princípio de la película.  

Como otras películas que hemos visto, Fight Club tiene muchos aspectos circulares.  La revolución de Tyler cambia a ser otro sistema de represión, y al final, Tyler tiene que rebelar contra si mismo. 

Terra em transe

Esta película fue ficticiosa, y trató de una lucha política en un país latino americano (Eldorado) que no existe. Aunque la película fue sobre personajes y un lugar que en realidad no existen, y fue bien disorientada, todavía hizo un comentario sobre la política en general que fue posiblemente más poderoso, porque el público no llegó con sus propias opiniones sobre la situación política en Eldorado.

No estoy segura que entendí perfectamente la trama de la película, pero yo se que el protagonista fue un poeta/journalista (Paulo), quien al princípio apoyó a dos figuras políticas (Diaz- un dictador, y Viera- un populista). No se como él pudo apoyar las dos a la vez y como los dos pudieron ganar poder a la vez, pero creo que este es lo que pasó. En la película, Paulo empezó a ver corrupción en ambos lados. Se dió cuenta de la locura del elite (bien mostrado por la cara sonriendo de Diaz). Creo que Diaz recibió apoyo de una corporación que se llamó explinct. A la vez, hubo una desilusión con Viera cuando descubrimos que fue solamente un pseudopopulista. A veces, parece que Paulo está para los mases y la gente y que quiere que ellos tengan el poder. Otras veces, dice que la masa es mala y insulta a la gente común y ineducada. Siempre cambiaron sus opiniones, pero al final, parece que no apoya a nada o a nadie y está muy deprimido.

La escena que hizo el impacto más grade para mi fue la escena de la protesta política en que la gente llevo letreros sin letras. Fue una protesta para la gente. Dijeron a un hombre- "eres la gente, habla," pero cuando hablaron, fueron forzados a callarse o acusados de ser extremista. Noté que la música en esta escena y en otras tuvo un impacto. Creo que el director usó tambores y vocales con referencia al populismo y sínfonias para representar el elite. A veces los dos tipos de música se traslaparon.

Otra cosa que destacó fue la cantidad de mujeres con que estuvo Paulo por la película. Tuvo una novia principal (Sara) quien también fue involucrada en la política, pero siempre estaba besando a otras. También. Paulo y Sara tuvieron momentos íntimos cuando pareció inapropriado.

La Ciénaga

Esta película mostró la apatía del burgúes en Argentina, pero de una manera diferente. En contraste con mis sentimientos después de ver "Tire Dié," "La Ciénaga" evocó compasión para la familia burgués. La familia pareció atrapada y aburrida. Estuvieron siempre borrachos hasta el punto en que nadie se dió cuenta de la seriedad de la caida de Mecha en la primera escena.

Mecha en particular fue bien desarollada. Cosas como gafas de sol para esconder los ojos y una bebida en la mano defineron a ella. También, me gustó que su llegada casí siempre fue annuncidada por el sonido de hielo en un vaso de vidrio.

Esta familia pareció patética. La humedad, el calor persistente, y sonidos de agua crearon un sentido de estar atrapada en una ciénaga donde nada está moviendo. Todo fue lento o inmóvil en la película: pienso en particular sobre el sonido las sillas de piscina arrastrando sobre la ascera, la piscina sucia en que las hojas cayeron lentemente, Mecha siempre en la cama, y el viaje de Mecha y Tali a Bolivia que nunca pasó. Está viaje de compras no fue tanto para gastar menos dinero sino para crear un escape breve de la vida inmovil de estas mujeres. Necesitaron un escape más que dinero, pero no fueron.

Esta película fue bien hecha, y como otras que hemos visto, pintó un cuadro de la vida diaria de un grupo de gente. El uso de sonidos y metáforas sútiles (como la vaca atrapada en el lodo o la casa siempre más sucia y dañada) fue excelente. También me gustó la repetición de molestías diarias como el sonido del telefono o la falta de hielo. Pero otra vez, tengo preguntas sobre el papel revolucionario de la película, especialmente porque trata de la vida de una clase media-alta.

Tire Dié

La película abre con una vista desde arriba de la ciudad de Santa Fe en Argentina. La voz de un narrador hace una lista de estadísticas sobre la cantidad de varias cosas que hay en la ciudad. La información viene rápidamente y en una manera muy impersonal, pero el nivel alta de consumo destaca durante el discurso. Los numeros que menciona el narrador son grandes.

Después, la escena cambia, y el público escucha a entrevistas con varias personas en un pueblo afuera de la ciudad. Hay un contraste entre la impersonalidad al principio y las entrevistas personales que vienen segundo. Hablan muchas personas, niños, madres, padres, y adolescentes, pero un narrador o una narradora siempre habla encima de las entrevistas pero en primera persona. Estas entrevistas capturan la atención del público y llevan la trama a un nivel personal. El contenido de cada entrevista es bastante similar. Cada persona da una descripción breve de si mismo y de su vida diaria. Muchos mencionan si trabajan o no, si van a la escuela o no, y que hacen con su tiempo. La mayoria de ellos mecionan algo sobre el dinero como cuanto reciben para su trabajo. Siempre es poco. También hay discusión sobre enfermedades que no tienen los recursos para curar. En general, por estas entrevistas con individuales, el público llega a entender que esta gente tiene una vida difícil.

En la tercera parte, vemos la llegada del tren. Mencionan que la gente que están en el tren viajan por placer. Esta gente es la burgesia que hemos mencionado en clase. Sus expresiones son bastante indiferentes mientras las caras de los niños tratando de coger las monedas expresan su desesperación. Sus familias dependen en estas monedas. Para la gente en el tren, dar estas monedas es un pequeño juego o molestia. Continuan a leer or jugar con su chicle o cierran la ventana. La separación física y la diferencia de expresiónes en las caras de los dos grupos fucionan para subrayar la desigualdad social en Argentina.

Vidas secas

La película “Vidas secas” pintó para el público una imagen de las vidas difíciles de obreros ambulantes que trabajaban con el ganado en Brasil en los años 1940’s. Fue muy visual, y evocó sentimientos con una dirección artística y efectiva. El diálogo en la película fue mínimo, pero importante cuando existió. En general, la película fue filmado en una manera muy real, y esta representación hizo la pobreza desesperada de la familia más triste y sentido más fuertemente por el público. Mostró la vida terrible de esta gente usando repetición para subrayar algunos temas.

Dos escenas destacaron para mi en la película porque trataron de los temas y asuntos recurrentes. Primero, la familia y la madre en particular siempre habló de una cama real de cuero y de los zapatos buenos. Estas cosas fueron espcialmente importantes porque según la madre, tener estas cosas significó ser humano y no animal y ser sofisticado y exitoso. La cámara siempre mostró los pies de las familia mientras caminaban para poner la énfasis en los zapatos como está en los ojos de la madre. Pero todavía no parecieron cómodos en los zapatos, y el padre los llevo a mano.

La escena con el hijo hablando a Balela sobre en infierno casi me hizo llorar. La combinación de lo que dijo el hijo y la imagen que mostraron fue excelente. Cuando repitió "infierno" y "lugar horrible" vimos sus entornos: el desierto seco, su casa patética, etc. Cuando dijo "los condenados" vimos su mama por la ventana. La madre también quejó de su vida miserable en la misma escena. Vimos a ella sentada y las llamas en que está cocinando en el rincón y parece que ella está en el infierno. En esta escena, el público se puede ver que la vida diaria de está familia es como un infierno.

Che, el argentino

Esta película fue una obra moderna sobre la vida del revolucionario Ernesto "Che" Guevara. El princípio de la película me hizo pensar en "La hora de los hornos," porque empezó con el redoble de tambores y imágenes de figuras políticas y la lucha revolucionaria. Después, en la segunda escena, Fidel Castro hizo una lista de quejas y estadísticas parecidas a las que fueron presentandas en "La hora de los hornos."

"Che, el argentino" mostró una lucha contra el imperialismo informal pero esta vez en Cuba y por la vida de Che. La película fue como una biografia en vez de un resumen de la historia completa de un movimiento. La historia dió al espectador una vista desde interna del ejército revolucionario. Mostró la perspectiva personal, y así otro lado de la revolución.

Noté un tema que tiene algo que ver con las preguntas que estamos tratando de explorar sobre las cosas que definen una revolución. Habían referencias al papel que un indivíduo puede tener en la revolución, y este tema fue bien apoyado con el estilo narrativo. Durante la película, especialmente en entrevistas con Che, les pregutaron si el se vió como un líder o un símbolo de la revolución. Aunque fue una revolución de "la gente," líderes individuales como Fidel y Che han sido usado como unas representaciones de la lucha.

Finalmente, noté un estilo artístico que usaron los directores para crear un contraste entre entrevistas del Che actual y los eventos de la película. Este contraste sirvió para decir "aqui en color está la lucha revolucionaria real y personal." En negro y blanco mostraon la pubicidad, el gobierno, "el sistema" en general que según esta película, no representa bien la lucha revolucionaria en Cuba.

La hora de los hornos/ Hacia un tercer cine

La hora de los hornos tuvo un propósito claro, y logró en expresar un punto de vista por medios artísticos, y, a veces, completamente obvios.  Fue propaganda principalmente y arte en segundo lugar.  

La película es bastante vieja, y por eso, aparece en negra y blanca con efectos especiales mínimos.  No se si fue la intención del director o si fue una coincidencia, pero creo que la falta de distracciónes ayudó en hacer el mensaje más poderoso.  La primera escena tuvo éxito en establecer el tono de la película y imponer las opiniones fuertes del director en el espectador.  Usó imágenes y frases poderosas y repetitivas para atraer la atención del espectador y evocar emociones fuertes. 

Durante la primera escena, pudo empezar a ver las palabras y las frases claves revolucionarias que se usaron para mover la gente a acción y evocar un sentimiento de furia.  Estas palabras incluyeron "NEOCOLONIALISMO," "VIOLENCIA," "NUESTRA GUERRA," "PAZ," "ENEMIGA," etc.

Estas palabras son palabras de guerra, y van con el propósito de la película.  Este propósito es indentificar un enemigo y su pecado, porque, como dijeron en la película, en una lucha económica sutíl, "la identificación del enemigo cuesta más."  

La película muestra "nosotros" como los pobres sufriendo y "ellos, los enemigos, los opresores," jugando golfo y fumando cigarillos, viviendo la vida fácil. "Hacia un tercer cine" también hace esta división de "nosotros y el otro" pero en términos del arte que hacen los dos grupos. Dice, "existe una cultura y una cultura de ellos, un cine nuestro, y un cine de ellos."  Hay mucho que discutir es este artículo sobre "arte política," pero es otra tema grande.  Pero una cosa que he notado en ambos obras es la división de grupos y la identificación del enemigo.  Las dos obras usan medios artísticos para hacer un punto obviamente político.